BIOGRAFIA DEL GRUPO MECANO

Mecano fue un grupo de música pop español de los años 80s y principios de los 90s. Estaba compuesto por: Ana Torroja (voz), Nacho Cano (programación, guitarras, teclados y voz) y José María Cano (guitarras, teclados y voz).
Mecano ha vendido más de 15 millones de discos en países como España, México, Argentina o Chile, y alcanzaron el número uno en varias ocasiones en Francia e Italia, gracias a sus trabajos en los respectivos idiomas.

Inicialmente Ana Torroja y José María Cano empezaron tocando canción de autor. Posteriormente, con la incorporación del hermano de José María, Nacho Cano, el grupo cambió su estilo hacia un pop juvenil, con letras sencillas y tendentes hacia lo comercial. En 1991 la vocalista desveló a la revista francesa "Elle" lo siguiente: "Elegimos el título de Mecano para demostrar que se puede construir lo que uno quiera mezclando elementos de rock, flamenco, pop y soul".

En 1981 editaron su primer sencillo Hoy no me puedo levantar, y al año siguiente su primer disco "Mecano", arreglado por Luis Cobos. En este trabajo se encuentran canciones como "Me colé en una fiesta", "Maquillaje" o "Perdido en mi habitación". Lograron vender 100.000 copias en sólo unas semanas, algo muy difícil de conseguir por aquel entonces.

Más tarde llegarían otros dos discos, que si bien no fueron un fracaso, tuvieron una acogida más discreta que el primer disco; "Donde está el país de las hadas" (donde se puede escuchar canciones como Barco a Venus o la Fiesta Nacional) y "Ya viene el sol"( donde se puede escuchar canciones como Hawaii - Bombay o Japón).

Cuando la estrella de Mecano parecía apagarse, en 1986 publicaron "Entre el cielo y el suelo", que alcanzó por primera vez en la historia de España el millón de copias vendidas. En aquel trabajo había canciones como "Me cuesta tanto olvidarte", "Hijo de la luna" o "Cruz de navajas", considerada por la crítica como mejor canción de aquel año.

"Entre el cielo y el suelo" marca un antes y un después en la historia del grupo. La composición deja de estar dominada por Nacho Cano, quien hasta entonces había llevado la batuta del grupo, para dar paso a su hermano José María Cano.

Pero no sería sino el disco "Descanso dominical" donde alcanzaron un éxito mucho mayor, batiendo récords de ventas en 1988. Esta marca de 1.300.000 copias vendidas en España no fue superada sino hasta finales de los años 90, cuando Alejandro Sanz batió la cifra con su disco "Más". En el disco aparecían canciones como "La fuerza del destino" (primera aparición de Penélope Cruz) y Mujer contra mujer (tema que trataba abiertamente la homosexualidad).

El éxito de ambos discos fue tal que los miembros del grupo publicaron discos en francés y en italiano. En Italia publicaron un disco con las mejores canciones de sus últimos trabajos traducidas al italiano y alcanzaron el número 1 a las pocas semanas de publicarse. En Francia llegaron a vender en total un millón de discos; también en Sudamérica tuvieron un éxito notable. Entre 1987 y 1992, Mecano vendió 7 millones de discos fuera de España.

"Aidalai" fue el último disco de aquella época, publicado en 1991 y del que lograron vender en 4 semanas 400.000 copias en España. Se pueden destacar de este disco "El 7 de septiembre", "Una rosa es una rosa" o "Dalai Lama". En 1992 realizaron una gira con un centenar de conciertos.

Nacho Cano volvió en parte a tomar las riendas de este último trabajo, pero con un sonido y unas letras mucho mas elaboradas. Esto llevó a un cisma dentro del grupo, a causa de quien de los dos hermanos debía de llevar la voz cantante de Mecano. Tras la gira de "Aidalai" el grupo decidió darse un descanso para relajar los ánimos, y regresaron en 1998. "Ana | Jose | Nacho" fue el trabajo que presentaron aquel año, un disco recopilatorio con 7 canciones inéditas, que la crítica consideró "poco elaboradas". El disco no funcionó bien, y sus miembros, en especial Jose, no parecían muy ilusionados con el proyecto. Habían pasado ocho años y sus motivaciones habían cambiado. Ana había tenido un notable éxito en solitario y los dos hermanos Cano también habían participado en otros proyectos. A finales de ese mismo año, en los premios Amigo 98, Jose María Cano anunció su salida definitiva del grupo.

Desde entonces Ana Torroja sigue con su carrera en solitario y Nacho Cano estrenó el 7 de abril de 2005 un musical en la Gran Vía madrileña, llamado Hoy no me puedo levantar basado en las canciones de Mecano, que ha tenido éxito de taquilla y de público. El 24 de mayo de 2006 el musical Hoy no me puedo levantar se estrenó en la ciudad de México, con elenco y músicos mexicanos, teniendo una gran acogida por el público.

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BIOGRAFIA DE LOS IMPALA

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Los Impala fue una agrupación de rock venezolano surgida en la ciudad de Maracaibo en 1958, siendo considerada como la pionera de este género en Venezuela.

Miembros

La banda tuvo en su primera formación a Henry Prado en el piano, Gilberto Urdaneta como bajo y Servando Alzatti al frente de la batería. Con el tiempo cambiarían de formación muchas veces, pasando por sus filas Pedro Alfonso, Bob Bush, Heberto Medina, Rafael Montero, Paco Piedrafita y Edgardo Quintero, quien adoptaría el nombre artístico de Edgar Alexander.


La banda se formó en el año 1958 y se disolvió en 1961 tras la marcha en planes de estudio de Servando a Estados Unidos. Dos años después Edgar reformó al grupo con Francisco Belisario, Henry Stephen, Nerio Quintero y Omar Paduai.
En 1966 sale Stephen para iniciar su carrera como solista, apoyado por el reconocido animador venezolano Renny Ottolina, y en su lugar entra Rudy Márquez, quien provenía de Los Dangers.
Al presentárseles la posibilidad de irse para España, Omar se queda en Venezuela por amor y entra Bernardo Ball (ex Los Blonders). En septiembre viajan a Europa y se quedan hasta finales de 1969, alternando su estancia con giras a Inglaterra, Países Bajos, Francia, Dinamarca, Italia y Portugal. Tras un concierto en Caracas a comienzos de 1970 se disuelven. Para el momento habían grabado 8 LPs.
En 1990, 20 años después de su separación, se reagrupan para ofrecer un concierto en Maracaibo. Fue tal el éxito que obtuvieron, que en 1991 realizan un show en Caracas y una gira nacional, para luego volver a separarse.

os Impala son considerados como el primer grupo de rock venezolano. En 1964 impulsaron el movimiento musical pop venezolano en Caracas junto a los grupos Los Supersónicos, Los Claners, Los Darts y Los Dangers.
Omar Paduai murió en 1993 mientras que Stephen, Márquez y Belisario continuaron con el grupo junto a Ruben "Micho" Correa, Iván "El Gordo" Marcano (ex The Nasty Pillows, antiguo grupo de Mike Kennedy y ex Daiquiri) y Marisela Pérez.
Los Impala grabaron ocho discos, siendo junto a Los Supersónicos (con seis producciones) los grupos venezolanos que más grabaron.cita requerida[cita requerida] Punto y aparte marca el album Impala Syndrome, un trabajo hecho en 1969 y que de acuerdo a su contenido, el grupo mostró que siempre estuvo adelantado a los de su época.
En diciembre de 2006 aparece un Disco compacto recopilatorio con 42 canciones donde se incluyen las consideradas mejores canciones de este grupo conformado en Maracaibo de la fusión de Los Flippers y Los Impala. Algunas de esas canciones son: La vi parada ahí, HullyGullySurf, Quiero tener tu mano, My Bonnie, Do Wah Diddy, Con tu blanca palidez, Ana, Vida normal y Taxi.
http://dl.dropbox.com/u/26137239/bloque%201.mp3

BIOGRAFIA DE SERGIO PEREZ

Sergio José Pérez Betancourt, mejor conocido en el medio artístico como Sergio Pérez, es un experimentado músico, cantante, compositor, productor musical y arreglista venezolano, que por mas de dos décadas ha desarrollado una fructífera carrera musical que lo sitúa como uno de los cantautores más importantes de la música urbana.

Comenzó sus estudios de violín y de teoría y solfeo con el maestro Emil Friedman a la edad de 7 años, estudió en la escuela Juan Manuel Olivares, en la escuela Lino de Gallardo y en el Conservatorio Superior de Música de Caracas. Fue miembro fundador de la Sociedad Venezolana de Música Contemporánea. A principios de los años 70 participó como cantante ,violín y armónica en la banda de rock Frutas Bravas y posteriormente fundó el grupo Nagual, banda pionera del jazz fusión en Venezuela, que años mas tarde se convertiría en el grupo Esperanto.

A mediados de los 70 viaja a Boston, Massachussets, en donde estudió composición y arreglos en el prestigioso New England Conservatory y en el Berklee College of Music. Allí participó junto a diversas agrupaciones tropicales, entre ellas Charanga Batú del percusionista Quique Santiago y con la banda de música experimental electrónica Outer Tube. En el 80 se translada a Nueva York y participa en numerosos jam sessions junto a Delmar Brown, Kenwood Denard y Miroslav Vitous además de formar parte de la orquesta de charanga Fajardo y sus Estrellas.

Una vez de regreso a Venezuela graba junto al legendario Vytas Brenner en el disco Estoy como Quiero (1982). Forma parte del Grupo Latino de Jazz, de la compañía de teatro de la calle Tiempo Común y de la banda Adrenalina Caribe, con la que graba el disco Pico y Pala (Discomoda 1982). Posteriormente se integra a las agrupaciones Kuboss, el grupo de juglares SUS y la banda ecologista Nueva Era.

En 1987 inicia su carrera como solista con la aparición en el mercado de su álbum debut Sergio Pérez que alcanza doble platino ( mas de 200.000 copias vendidas), con esta primera producción obtuvo una enorme aceptación imponiendo una cadena de éxitos entre los que figuran Mentiras, No le digas nada, Cuando tu Amante se va, Curanderos y A donde va el amor.

Para el año 1989, el lanzamiento de su segunda producción discográfica titulada Mueve un Pie, le da continuidad a su sonoridad urbana a través de los éxitos Mueve 1 pie, la balada de telenovela Tengo Corazón, Todo tu amor , Si tu lo Sabes, Ondas de Radar, Día tras Día y la versión renovada del tema original de Richie Ray y Bobby Cruz,- Jala Jala. En 1990 todos estos éxitos se editan en un compilado titulado Sergio en Uno que a su vez marca la entrada del artista en el mercado de los discos compactos.

El disco Hay que Vivir grabado en 1992 inicia una nueva etapa con un cambio en la sonoridad, se proyectan los temas Nuevo Son que fue editado en España e Italia acompañado de un video clip producido por Luigi Rubartelli, el merengue Ella y el tema de telenovela Suena a Rumba. En España participa en el programa de verano Caliente, transmitido por Televisión Española y en el programa Quiereme Mucho transmitido por Antena 3. Entre 1994 y 1996 como vocero oficial de la organización ecologista Fudena, da vida al tema Fluyendo y al espectáculo Unplugged Sergio Pérez al Natural. Se oye en la Calle sale al mercado en 1998 proyectando los temas Trepadora, Perfume de mujer y el tema de alto contenido social Durmiendo en la Calle.

En Octubre del 2009 regresa con el lanzamiento de Bailalo tu También donde se combinan estilos clásicos del Caribe como El Mambo, La Salsa, El Merengue y El Son en contraste con Cumbias Vallenatas, Bachata y Rumba Flamenca.

A lo largo de los años el artista se ha mantenido activo con su banda los Curanderos presentando un espectáculo en vivo que es considerado uno de los más versátiles y completos por su riqueza escénica y musical. Se ha presentado en grandes escenarios y festivales internacionales, junto a destacados artistas entre los que se cuentan Rubén Blades, Eddie Palmieri, Willie Colón, Tito Puente, Iraquere, Ziggy Marley, Luis Enrique, Adalberto Alvarez, Oscar de León y Simón Diaz destacando un vigoroso desempeño vocal y un uso muy particular del violín electrónico.

BIOGRAFIA DE LOS BEE GEE

Los Bee Gees son un grupo musical Australiano, compuesto por los hermanos Barry Gibb, nacido el 1 de septiembre de 1946, y por los gemelos Robin y Maurice Gibb, nacidos el 22 de diciembre 1949, nacidos todos ellos en Douglas (Isla de Man). En la década de los cincuenta comenzaron a actuar en público, en pequeños conciertos en su tierra natal. El nombre de Bee Gees se debe a las iniciales de Brothers Gibb (hermanos Gibb), que son BG y en inglés se pronuncia Bee Gees.
En 1958 la familia de los Gibb se muda a Brisbane, donde los hermanos siguen desarrollando sus actividades artísticas. Así, después de tocar en diversos clubs, firman en el año de 1963 el primer contrato con la RSO y un año después graban su primer álbum. En el año de 1966 consiguen su primer número uno en Australia con el tema "Spicks and specks". Un año después regresan a Inglaterra.
En el año de 1967 lanzan su primer álbum en Inglaterra First, consiguiendo un éxito y una sola inspiración de la música de The Beatles editando temas como "Holiday" "New York Mining Disaster 1941", "Every Christian Lion Hearted Man Will Show You". Todas las canciones fueron compuestas por Barry Gibb, con solo 19 años.
Después de que se mudan a Miami con el productor Arif Mardin, comienzan la etapa americana con el disco Mr. Natural, en el año de 1974 y Main Course, un año después. El estilo evoluciona desde la música romántica y sentimental hasta el Rhythm & Blues.
Poco después se pasaron a la música disco, anticipándose a lo que luego sería la moda. Editan Children of the world consiguiendo el número uno con la canción "You should be dancing".
En 1977 llega el mayor éxito a nivel mundial de la banda sonora Saturday Night Fever, el sello de la película del mismo título.
En el año de 1979 publican Spirits Having Flown, consiguiendo varios número uno con temas melancólicos como "Tragedy" y "Too much heaven". Su estilo ahora es nuevamente melódico en sus letras, aunque con ritmo más vivo.
En 1981 editan Living eyes, mientras se toman un descanso en su carrera como grupo para iniciar trabajos en solitario, aunque el primero fue Barry, quien colabora en composiciones para otros artistas como Barbra Streisand, Diana Ross, Bryan Adams y Kenny Rogers.
En el año 1987 se vuelven a reunir para grabar el álbum "E.S.P.", y 4 años después One. Cuatro años después editan High civilization, y en 1993 Size isn't everything. En 1997 editan Still waters, en el que los Bee Gees deslumbran a medio mundo con sus voces. En 2001 sale a la venta "This is where I came in", que fue muy bien recibido por el público y fue el último disco grabado antes de la muerte de Maurice dos años después (el 12 de enero de 2003). En ese mismo año se edita y sale a la venta The record una compilación de lo mejor de los hermanos Gibb. En 2004 aparece Number Ones otra compilación, y en 2005 aparece Love Songs una compilación de las mejores canciones de amor de los Bee Gees. Desde 1987 trabajan en su propio estudio de grabación en Miami (Florida). La canción “You Win Again” (1987) se convirtió en un éxito internacional. Otros discos del grupo son Bee Gees 1st (1967), Horizontal (1968), Odessa (1969), Trafalgar (1971), To Whom It May Concern (1972), Main Course (1975), Living Eyes (1981), Still Waters (1997) y This Is Where I Came In (2001).

BIOGRAFIA DE LEONARDO FAVIO

Yo quiero llegar a la gente para conmoverla”
Temas como Fuiste mía un verano, Ella ya me olvidó, yo la recuerdo ahora y O quizás simplemente le regale una rosa, entre muchos otros, están grabados a fuego en la memoria colectiva y pertenecen, como señala el propio cantante y cineasta, “al inventario familiar de todo el mundo de habla hispana”.

Mitos Argentinos. Así podría comenzar una nota sobre Leonardo Favio: cineasta, compositor, cantante, militante peronista, hombre de vida novelesca que acostumbra construir su propio personaje reinventando su historia una y otra vez, añadiendo detalles que nadie sabe a ciencia cierta si son hechos reales o simplemente escenas que imaginó, como si su vida fuera una de sus películas, o viceversa. Un artista tan fascinado con los mitos –Perón, Gatica, Juan Moreira– que ha terminado siendo uno de ellos.

La estatura de Leonardo Favio como cantante popular es tan inmensa como atípica, representativa de una década, la del ’60, plena de cambios y convulsiones, marchas y contramarchas. Favio llegó a la canción después de haber dirigido tres películas que lo posicionaban como “director de culto” dentro de la llamada “generación del ’60” de la cinematografía argentina. Sin embargo, como cantante, su estilo es inclasificable. Aunque el éxito de su primer disco, Fuiste mía un verano, es uno de los mayores que registra la industria discográfica de nuestro país, Favio se ubicó en una posición equidistante entre la camada de “El Club del Clan” y la que daría origen a lo que luego se llamaría “rock nacional”.

Al igual que otros cantantes de su generación (Sandro, Leo Dan, Piero, Facundo Cabral), generó un estilo único e irrepetible, que si bien incorpora la mezcla de influencias que caracterizaba su época –se pueden detectar rasgos de la canción melódica italiana, la chanson francesa, el rock primigenio de Elvis y Roy Orbison–, se construye fundamentalmente a través de su propia imaginación creadora. Su capacidad es la de construir historias y dotarlas de vívidas imágenes plenas de detalles cotidianos, que lo acercan a una suerte de neorrealismo. Pero a la vez carga esas historias con un fuerte contenido melodramático, en sintonía con la telenovela o, más probablemente, con el radioteatro. Ese tipo de relato no tenía precedentes en la canción melódica argentina, y se veía potenciado por la personalidad de su voz grave (que los críticos “ortodoxos” se empeñaban en criticar por su afinación dudosa), por las exageraciones expresivas al alargar las vocales, los inesperados pasajes narrativos que introducía con sus recitados, que a veces se transformaban en diálogos con su mujer, Carola.

Todos esos ingredientes hicieron que los temas de Favio hayan pasado a formar parte de la memoria colectiva de una generación, y están asociados inevitablemente a la nostalgia por una época que –probablemente por el tiempo transcurrido y lo siniestro de la historia que vino después el imaginario se empeña en pintar como casi idílica, o al menos coloreada por la esperanza de un futuro mejor.

Su biografía –o quizá sería mejor decir el mito de su biografía- relata que Fuad Jorge Jury, su nombre real, nació en Luján de Cuyo, Mendoza, en 1938, que conoció la pobreza, que robó y estuvo internado en varios institutos de menores, de los cuales se escapaba o lo echaban. Que su padre abandonó el hogar cuando él era muy chico y murió joven, que pasó algunos años en el Hogar El Alba, del cual se fugó para volver a Luján de Cuyo a vivir con su hermano mayor, Zuhair Jury (quien sería coguionista de casi todas sus películas). Que algunos pequeños hurtos lo llevaron al Patronato de Menores, que intentó enrolarse en la Marina, donde duró poco pero se llevó el uniforme, con el cual pedía limosna en Retiro. Que retornó a Mendoza, donde su madre (que era escritora de radioteatros) le conseguía algunos bolos en la radio.
De vuelta en Buenos Aires, trabajó en la radio y luego comenzó su carrera como actor, bajo el padrinazgo de Leopoldo Torre Nilsson, quien lo tomó bajo su protección y lo incluyó en films como El secuestrador, Fin de fiesta, La mano en la trampa y La terraza. Su admiración por “Babsy” era tanta que –según Favio– comenzó como director para impresionarlo (también para conquistar a María Vaner, su primera Esposa), y le dedicó su primer film, Crónica de un niño solo (1965). Luego llegarían Romance del Aniceto y la Francisca (1967) y El dependiente (1968), éxitos de crítica que le valieron varios premios internacionales.

Sus comienzos como cantante y el éxito fulminante fueron prácticamente simultáneos. Tocaba la guitarra desde pequeño, intercambiando clases de guitarra por sus oficios como cebador de mate con un zapatero chileno que vivía enfrente de su casa. Como buen mendocino, empezó con tonadas y otras variedades del repertorio cuyano, a lo que fue agregando luego zambas y milongas. Pero cantaba en la intimidad de su hogar, para los amigos, hasta que uno de éstos lo llevó a la primera Botica del Angel, ubicada en Lima 680, que regenteaba Eduardo Bergara Leumann. Increíblemente, como sólo sucede en las películas (y en la vida de Favio), el día de su debut se le acercó un ejecutivo de la compañía CBS y le propuso grabar un disco.
“El primer tema que grabé fue un gran fracaso –recordaba Leonardo– porque no vendí ni un solo disco. Se llamaba Quiero la libertad, y es una canción con la cual creía que se podía hacer una revolución a partir de ella, pero no pasó nada. En aquella compañía discográfica estaban Hugo Piombi y Lear, dos productores que sabían mucho, y ellos me hicieron grabar Fuiste mía un verano y O quizás simplemente le regale una rosa. Yo discutía con ellos porque quería cantar otros temas, pero al final tuvieron razón.”

Y vaya si la tuvieron. El tema de Fuiste mía un verano ostenta hasta hoy el record nacional Argentino, de venta de unidades de un mismo disco, con un millón y medio de placas,. El primer LP de Leonardo Favio editado en 1968, llevaba por supuesto el título de su canción más exitosa, y contenía además muchos de los temas que constituyen los clásicos de su repertorio, esos que hasta hoy no puede dejar de cantar cada vez que sube a un escenario. Entre ellos, Quiero aprender de memoria, O quizás simplemente le regale una rosa y Ella ya me olvidó, yo la recuerdo ahora. Su fama se extendió por todo el mundo de habla hispana, a tal punto que esta última sería grabada en los ’90 por el grupo español Héroes del Silencio, quienes consiguieron un hit con aquella melodía.

El éxito tomó a Favio un poco desprevenido, a tal punto que llegó a encerrarse durante meses en su departamento. “Me sentí muy perplejo”, confesaba él. “No esperaba una avalancha así y no sé si me hizo bien. Venía de un mundo de mucha tranquilidad, de austeridad, y de golpe ver esa locura de los medios, de la gente, de los shows continuados. Me sorprendió, me descolocó, y tardé mucho tiempo en reaccionar.” A tal punto que luego de grabar un segundo LP en 1969, en pleno apogeo de su éxito, deja la canción en 1970 para dedicarse a preparar lo que sería su siguiente film, Juan Moreira.

Por supuesto, la historia de Favio continúa hasta hoy, e incluye varias películas (entre ellas Nazareno Cruz y el Lobo, la más vista en la historia del cine argentino), su exilio en países como Colombia y México durante la dictadura militar, más discos y numerosos retornos alternados con períodos de ostracismo. Pero buena parte de su carrera como cantante se apoya sobre esas canciones producidas durante los años 1968/69. Y si bien la inteligencia siempre se ha empeñado en separar su obra cinematográfica –que comanda el respeto dedicado a los grandes directores de sus canciones, las que son vistas en el mejor de los casos como un “mal menor”, Leonardo siempre ha enfatizado la conexión entre ambas: “Yo quiero llegar a la gente y conmoverla porque no soy otra cosa que un narrador de cuentos, tanto cuando filmo como cuando escribo canciones”.

En el 2008 Favio se mostró nostálgico, casi poético en una entrevista con la revista Ñ. (que publica el diario argentino El Clarin) Fue ese año el del lanzamiento de “Aniceto”. Ante la pregunta acerca de la eternidad y de eludir lo efímero de la vida, el director relató con bellas palabras: “El sueño de todos es permanecer, pero uno muere cuando se escapa de la memoria de la gente. Mi obsesión es que me recuerden bien en esa momentánea memoria que haya de mí. Yo había incorporado la idea de la muerte a mi vida como algo legitimo y bello pero a medida que se acerca cuido el cuerpo, el artefacto que nos queda, me voy despidiendo de ese cuadrito en la pared, que pena no verlo más, pero esto es solo una fracción de película acelerada, y uno comienza a preocuparse más por lo que puede haber del otro lado. Tal vez la eternidad sea despertar de una siesta bien dormida con los ojos entregados al asombro, por ahora somos la molécula de una hormiga y menos que eso. Soy profundamente religioso, casi místico, puedo gozar de la soledad como un don, un regalo de Dios que me permite estar conmigo”.

Sea lo que sea, Favio se enfrenta a los médicos por una causa que se mantiene en silencio. Hoy los mendocinos rezan por una pronta recuperación….

Biografi a de Alexis Rossell

Alexis Rossell es un músico venezolano cuya obra refleja una mezcla de talento y originalidad ya que logra fusionar ritmos de diferentes tipos entre los cuales sobresale la música venezolana con matices de rock y jazz, pero siempre dando énfasis a la música tradicional venezolana. Ejecutor del arpa llegando a niveles sobresalientes y excelente compositor, forma la agrupación Venezuela Joven a mediados de la década del setenta y graba, de manera independiente y con un tiraje limitado, el álbum Alexis Rossell y su Venezuela Joven. Este disco sería la base para que el sello Top Hits le diera un contrato discográfico que garantizara la mayor difusión de su música. Con una banda integrada por Jorge Salamanca (teclados), Gustavo Montaño (guitarra, mandolina), Luis Gonzáles (cuatro), Gustavo Sandoval (bajo), Alfredo Morales (batería), Omar Amaya (percusión) y Pedro Talavera (congas), graban el álbum Alexis Rossell y su Venezuela Joven (1977), manteniendo la mayoría de los temas de su álbum inicial. La agrupación que le acompaña continuamente cambia de integrantes y son muchos los músicos que compartirían su talento musical con Alexis Rossell. Para su segundo álbum, Vuelo del Icaro (1979), ya se han producido cambios en la banda la cual tiende a estabilizarse con la edición de El Cordonazo (1980). Durante toda la década de los ochenta publica las grabaciones Torbellino (1981), Es Navidad (1981), Sangre Negra (1982), Al Rescate (1983), Zapatico de Navidad (1984) y Desde el Infinito (1988). Para cada grabación se suceden los cambios de integrantes y se reafirma el sonido de la música tradicional. A pesar de la alta calidad de sus grabaciones, a partir de 1988 se detiene la edición de sus producciones y hasta el presente no ha sido posible que sea re-editado su trabajo en formato CD. Hizo numerosas presentaciones a través de todo el país destacando su participación en la conocida Gira de las Siete Estrellas (1981) donde compartió escenario con agrupaciones de la talla de Resistencia, Témpano, La Misma Gente y Esperanto. Junto con la obra de Vytas Brenner y La Ofrenda, Alexis Rossell ha presentado una de las propuestas musicales más interesantes en nuestro país, caracterizada por la experimentación y fusión, pero manteniendo siempre como elemento primordial la música venezolana.

Biografía del Grupo ABBA

ABBA, grupo sueco de música pop, el de más éxito en su país, de notable significación dentro del pop europeo de los años 70 y que, junto con The Beatles ocupan el primer lugar en ventas mundiales.
1971: Los comienzos del grupo. La boda de Björn y Agnetha
En el verano de 1971 Benny, Björn y Agnetha viajan a Suecia como una clase de “proto-ABBA”, poco después conocen a Frida, la pareja de Benny. Es cuando Björn y Agnetha consiguen casarse en una boda en la que se reunió la alta sociedad sueca, y que fue considerada el evento del año.
El cuarteto hace un número no tan exitoso en Göteborg llamado "Festfolk". Björn y Benny también comienzan a trabajar para Stig Anderson (su futuro socio y manager) en Polar Music, al principio como productores y arreglistas, el primer trabajo: Producir a un joven prospecto llamado Ted Gärdestad. Los miembros del grupo reconocen que esta pudo haber sido la peor etapa de sus vidas.
1972: Las primeras canciones
Este año Björn y Benny hacen un dueto y graban un disco llamado Lycka, que incluía una canción que cantaban con sus parejas. De ahí sale She's just my kind of girl que se convirtió en un gran éxito en en Japón. Después de todo, los 4 se reúnen para grabar una canción: People Need Love que se convertiría en un golpe en Escandinavia y es también el primer sencillo que escogieron para ser lanzado en Norteamérica, bajo la etiqueta de Playboy y con el nombre de grupo Bjorn, Benny y Svenska Flicka. En Suecia People need love es seguido por He Is Your Brother que se convierte en otro No. 1 para el grupo.


1982: El final de una época
Este año marca el final de ABBA como grupo. Habían planeado originalmente lanzar un álbum doble con nuevas canciones pero terminaron sacando la colección The Singles: The First Ten Years, con solamente dos nuevas canciones agregadas Under Attack y The Day Before You Came, con el último de los videos de ABBA.
Bajo la sombra del relativo fracaso de sus dos últimos sencillos, los miembros del grupo comienzan a caminar bajo diversas trayectorias de un lugar a otro. Frida y Agnetha recomienzan sus carreras a solas mientras que Björn y Benny continúan su co-produccion, ahora con los planes para hacer un musical.
Datos triviales
• ABBA ha vendido más de 370 millones de discos en todo el mundo. ABBA y los Beatles pelean el primer lugar como el Máximo Vendedor de todos los tiempos.
• Sigue siendo el máximo vendedor para Universal Music. 3,500 discos por día como mínimo, 15 millones por año.
• Su CD ABBA Gold ha vendido casi 30 millones de copias en el mundo
• ABBA fue el primer grupo en aparecer en un CD
• ABBA rechazó la oferta económica más grande hecha a un grupo musical, 1,000 millones de dólares por volverse a reunir.
• La comedia musical Mamma Mia!, basada en sus canciones, es la de mayor éxito de todos los tiempos, con el mayor número de representaciones simultáneas y en el mayor número de idiomas en el mundo.
• El éxito obtenido de su idea al promocionarse en el mundo haciendo vídeos musicales, trajo como consecuencia la aparición del canal de televisión MTV
• ABBA The Movie, su película terminó como la 7ª más taquillera de los años 70's (fue dirigida por el laureado y “oscarizado” director Lasse Hallstrom )
• Las iniciales de los nombres de Agnetha Fältskog, Benny Andersson, Björn Ulvaeus y Anni-Frid Lyngstad forman “el pequeño nombre más grande de la industria de la música grabada”...ABBA. El logotipo nació de un error al invertir una B en una sesión de fotos.
• El recopilatorio The Best of Abba es actualmente el disco más vendido de todos los tiempos en Australia.
• El especial televisivo llamado “ABBA Down Under” fue visto por más personas en Australia que el mismo alunizaje.
• El recopilatorio Greatest Hits Vol. 1 es el 2º disco más vendido en la historia del Reino Unido. Permaneció 11 semanas en # 1
• La demanda por sus conciertos de 1977 en el Royal Albert Hall de Inglaterra fue de 3,500,000 boletos!
• En México, ABBA cuenta con 11 sencillos en el Top 10 –incluyendo 7 números 1- además de 6 álbumes número 1 (sin contar las recopilaciones).
• Con un éxito incalculable, Dancing Queen entró en nº 1 en 12 países.
• Chiquitita sigue siendo el sencillo más vendido en la historia de América Latina y fue donado a la UNICEF. El éxito en los países de habla hispana los animó a grabar un disco totalmente en castellano. Esta canción le sigue aportando un millón de dólares al año a UNICEF por ventas de la misma.
• En Japón, 14 sencillos conforman el álbum “Japan Top 20” que incluye Summer Night City, Chiquitita, Voules-Vous, Gimme! Gimme! Gimme! (todos ellos alcanzaron el número 1).
• En Estados Unidos seguían sus éxitos. Diez canciones estuvieron en el Top 20. Con Waterloo, Take a Chance on Me y The Winner Takes it all alcanzaron el Top 10. Dancing Queen fue número 1.
• Waterloo es el nombre de la canción con la que se dieron a conocer al ganar el “Festival de la canción (Eurovisión) en 1974, en 2005, fue votada como la "Mejor canción del festival" de los últimos 50 años.
• El enorme éxito de películas con música de ABBA, tales como “Priscilla, La Reina del Desierto” y “La Boda de Muriel”, lanzaron al estrellato de Hollywood a los artistas que intervinieron en ellas (Matrix, Señor de los Anillos o Sexto Sentido).
• Muchos Artistas, en especial Rockeros/Metaleros, a fechas recientes han declarado su admiración a ABBA, entre algunos importantes están Paul McCartney (amigo personal de Benny y Frida), Gene Simmons de KISS, Madonna, Noel Gallagher de Oasis,the ramones, Sex Pistols, John Lord de Deep Purple, Peter Cetera de Chicago, Coldplay, U2, Iron Maiden,At-vance, Sinergy, custard, helloween,yoshiki (baterista de x-japan), Steven Spielberg que siempre lleva canciones en su Ipod durante las películas, o Pete Townshend del grupo The Who que considera a S.O.S. como la mejor canción de la historia musical... y la lista sigue.
ABBA Gold: Greatest Hits es una compilación del grupo sueco ABBA, fue lanzado el 21 de septiembre de 1992. Fue lanzado por PolyGram, siendo la primera compilación en ser lanzada después de que dicha compañía adquiriera Polar Music y los derechos sobre las canciones de ABBA.[1] En 1998, PolyGram fue a la quiebra y actualmente forma parte de Universal Music Group.Debido a su éxito, el álbum ha sido relanzado en varias versiones "especiales", en 1999, 2002, 2003, 2004 y 2008.

ABBA Gold es el disco más exitoso de ABBA, y esta dentro del Top 30 de los álbumes más vendidos de la historia, donde (de acuerdo a Mediatraffic) ocupa el puesto #24.[2] Hasta agosto de 2008 había vendido más de 28 millones de copias.[3

Historia del Álbum

Antes de su lanzamiento, todos los discos recopilatorios previamente editados fueron descontinuados, dejando sólo los álbumes de estudio en circulación. ABBA Gold fue bien recibido por el mercado musical, siendo la primera compilación del grupo diseñada para ser publicada en CD.[4] El lanzamiento original de 1992 incluía las versiones editadas de "Voulez Vous" y "The Name Of The Game", estas fueron reemplazadas por las completas en las versiones posteriores. La versión Australiana tuvo una modificación en la listas de temas, reemplazando tres canciones por otras más exitosas en Australia. En España, el lanzamiento original de 1992 contenía las versiones en español de "Chiquitita" y "Fernando" en lugar de las originales.[5]

En 1999, el álbum fue lanzado en las versiones mundiales y australianas, para conmemorar el 25º aniversario de la victoria de ABBA en el Festival de la Canción de Eurovisión con Waterloo. Esta nueva versión fue llamada "signature series" (serie firma), porque tenía autógrafos de los miembros del grupo escritos en dorado en la cubierta. Además, esta nueva versión contenía una pequeña biografía escrita por Carl Magnus Palm.[6]

Un edición del décimo aniversario de su lanzamiento fue publicada en el 2002. El logo de ABBA fue cambiado al oficial y la parte de atrás fue rediseñado, siendo lanzado en Europa y Nueva Zelanda principalmente. En 2003 fue lanzado el DVD ABBA Gold.

Una edición del 30º aniversario de la victoria de Waterloo en Eurovisión fue lanzada en el 2004 con una portada dorada y más colorida que la normal. También incluía un DVD con 18 de las 19 canciones del CD, excluyendo "The Name Of The Game".

Finalmente, en el 2008 se publica nuevamente una nueva versión de ABBA Gold para coincidir con el estreno de la película del musical Mamma Mia!, con una jewel box y con la historia del grupo actualizada.[7

• Dancing Queen (1976) (Anderson, Andersson, Ulvaeus) – 3:51
• 2. Knowing Me, Knowing You (1976) (Anderson, Andersson, Ulvaeus) – 4:03
• 3. Take A Chance On Me (1977) (Andersson, Ulvaeus) – 4:06
• 4. Mamma Mia (1975) (Anderson, Andersson, Ulvaeus) – 3:33
• 5. Lay All Your Love On Me (1980) (Andersson, Ulvaeus) – 4:35
• 6. Super-Trouper (1980) (Andersson, Ulvaeus) – 4:13
• 7. I Have A Dream (1979) (Andersson, Ulvaeus) – 4:42
• 8. The Winner Takes It All (1980) (Andersson, Ulvaeus) – 4:54
• 9. Money, Money, Money (1976) (Andersson, Ulvaeus) – 3:06
• 10. S.O.S. (1975) (Anderson, Andersson, Ulvaeus) – 3:20
• 11. Chiquitita (1979) (Andersson, Ulvaeus) – 5:26
• 12. Fernando (1976) (Anderson, Andersson, Ulvaeus) – 4:14
• 13. Voulez-Vous (1979) (Andersson, Ulvaeus) – 5:09
• 14. Gimme! Gimme! Gimme! (A Man After Midnight) (1979) (Andersson, Ulvaeus) – 4:52
• 15. Does Your Mother Know? (1979) (Andersson, Ulvaeus) – 3:13
• 16. One of Us (1981) (Andersson, Ulvaeus) – 3:57
• 17. The Name Of The Game (1977) (Anderson, Andersson, Ulvaeus) – 4:56
• 18. Thank You For The Music (1977) (Andersson, Ulvaeus) – 3:49
• 19. Waterloo (1974) (Anderson, Andersson, Ulvaeus) – 2:46